La La Land (Damien Chazelle, USA, 2016, 128')

"Nel West, quando la realtà incontra la leggenda, vince la leggenda".
Su questa frase tratta dal meraviglioso L'uomo che uccise Liberty Valance di John Ford ho costruito molta della mia personale mitologia legata alla meraviglia del Cinema, a quel miracolo che, dai tempi di Melies, ha regalato magie a generazioni e generazioni di spettatori in tutto il mondo parlando spesso e volentieri del Graal di quasi tutti coloro che sono mossi da passione: i sogni.
Quei sogni che sono la materia di tutto - impossibile dimenticare Il mistero del falco -, dei quali Hollywood nella golden age dei grandi studios è stata forse il simbolo più splendente.
La Hollywood dei colori sgargianti, degli amori folli e dei musical, simbolo dell'unione tra il Cinema, per l'appunto, e la magia delle sette note: nel corso della mia carriera di spettatore, molti titoli figli di quell'epoca e molti altri appartenenti alla categoria, da West Side Story a Moulin Rouge!, mi sono entrati nel cuore rapendolo come in un ballo travolgente ed appassionato - e tutti quelli che mi conoscono ben sanno che, in quel senso, ho la stessa mobilità di un grizzly uscito cinque minuti prima dal letargo -.
Nel West, si diceva, quando la realtà incontra la leggenda, vince la leggenda.
Damien Chazelle, regista del più che discreto - ma in parte sicuramente sopravvalutato - Whiplash, deve ben saperlo, perchè confeziona per due ore piene un pezzo di Cinema strepitoso, dal travolgente piano sequenza in apertura alla mimica facciale tra la provocazione e l'imbarazzo che Ryan Gosling ed Emma Stone raccontano alla perfezione per rendere la storia d'amore dei due protagonisti di una vicenda fotografata, musicata, diretta e montata alla perfezione, che, pur non avendo ancora visionato la maggior parte dei candidati ai prossimi Oscar, sarebbe un'ingiustizia non si portasse a casa quantomeno i premi nelle categorie tecniche.
Ma non si limita a questo: come, infatti, fu qualche stagione fa per il sorprendente The Artist, anche in questo caso un regista attuale rispolvera con mano ispirata ed una capacità che sconfina dall'omaggio e porta ad un nuovo livello il concetto di Classico tutto quello che, sulla carta, poteva apparire ormai morto e sepolto, come il jazz che Sebastian tanto tiene a mostrare per quello che è a Mia, e invece si trasforma in qualcosa che è già esistito eppure ha il sapore di futuro, che forse è più tecnica che non emozione pura - in questo senso, il già citato Moulin Rouge! stravince in quanto a scossoni e lacrime versate - ma travolge e lascia con la sensazione, nonostante l'hype altissimo che lo precedeva, di aver assistito ad uno spettacolo destinato a lasciare il segno ed essere considerato un riferimento dalle generazioni future, magari di quelli che ispireranno qualcosa simile nello spirito a questo tra una trentina d'anni.
Ma si parlava di West, realtà e leggenda.
Perchè la zampata vera sta tutta lì, a prescindere da quanto magica e strabiliante - per quanto mi riguarda, sempre tecnicamente parlando - possa risultare la visione: la zampata delle grandi occasioni, dei grandi film.
Sebastian che siede al piano, sei anni dopo aver conosciuto Mia.
Un gesto, un accordo, un brano, un film, un sogno.
Qualcosa che avrebbe potuto cambiare la sua vita, e quella dell'amata.
Peccato che il West, ed il Cinema, dove la leggenda vince, siano le meraviglie che ogni giorno ci fanno sgranare gli occhi o chiuderli - se si tratta di una canzone - per immaginare quello che potrebbe accadere se fossimo in un film, o nel ritornello del pezzo che più amiamo e ad ogni ascolto ci fa pensare che i sogni possano realizzarsi, e di essere i protagonisti di una di quelle meravigliose cavalcate su pellicola.
Ma la realtà è un'altra cosa.
Anche per Mia e Sebastian.
Nella realtà, che in questo caso coincide con la nostra, non vince la leggenda.
Cosa resta, dunque, oltre ad una manciata di sogni?
Sedere al nostro pianoforte, qualunque esso sia, e ringraziare chi abbiamo amato, amiamo ed ameremo per sempre per aver vissuto quei sogni accanto a noi.
Che si siano realizzati, oppure no.




MrFord

 

Pitch perfect 2

Regia: Elizabeth Banks

Origine: USA

Anno: 2015
Durata: 115'

La trama (con parole mie): le Barden Bellas, alle spalle un'esibizione a dir poco sconvolgente al Lincoln Center di fronte al Presidente Obama che è costata loro reputazione e luci della ribalta, si ritrovano a dover affrontare il lento e difficile percorso della rivincita reso ancora più complesso dall'avvicinarsi del momento della laurea per la maggior parte delle protagoniste di tre anni di vittorie ai Campionati Nazionali, dall'allontanamento di Beca, desiderosa di intraprendere la carriera di produttrice musicale, e dall'inserimento di volti nuovi dall'energia spesso non ben gestita.

Quando l'opportunità di riabilitare il proprio nome porta le Bellas a tentare la strada dei Mondiali di canto a cappella, il gruppo di ragazze si trova di fronte al favoritissimo gruppo tedesco, in grado di batterle sotto molti punti di vista ed intimidirle grazie ad esibizioni e coreografie praticamente perfette.

Riusciranno le Bellas a ritrovare l'armonia che pare perduta e vincere ancora una volta ribaltando i pronostici?

Quando, nel pieno dell'estate duemilatredici, lontano per scelta dal lavoro in un momento molto difficile, ebbi modo di godermi il congedo di paternità e passare con il Fordino, Julez e famiglia quasi un mese al mare, nella scorta di film che portai per condire le serate si trovava anche l'allora ribattezzato Voices, commedia dalla quale mi aspettavo poco o niente che, al contrario, si rivelò una visione piacevole e trasformò la "cup song" di Anna Kendrick in un vero e proprio tormentone.

All'uscita di questo secondo capitolo del franchise, il dubbio che potesse trattarsi di un'operazione puramente e meramente commerciale finì per abbassare molto le aspettative rispetto alla visione, temendo nel peggio: neppure nei miei peggiori incubi, però, mi sarei aspettato qualcosa di così terribile.

Elizabeth Banks, per l'occasione dietro la macchina da presa - e spero vivamente che non si sogni di ritornarci - e la sceneggiatrice Kay Cannon confezionano una pellicola stanca, noiosa, lentissima nelle quasi due ore di durata, spesso e volentieri volgare - nel senso non divertente del termine - neanche celasse lo zampino dei Vanzina, specchio della tipica operazione portata a termine con il solo scopo di mangiare soldi agli spettatori.

Dallo script, dunque, telefonato e mai davvero divertente, a personaggi e cast, tutto concorre a costruire uno degli insuccessi più clamorosi della stagione, in grado di andare oltre anche ad aspettative - come scrivevo poco sopra - decisamente basse combinando una povertà creativa clamorosa ad una serie di personaggi interpretati nella maniera più irritante possibile: dalla protagonista Anna Kendrick al suo inutile fidanzato - per quale motivo mantenere questa figura, se non per allungare il film di qualche minuto? - passando per l'irritante Rebel Wilson - che appare falsa e costruita così tanto da far sembrare il poser più scatenato come il protagonista di Noi siamo infinito - e la new entry Hailee Steinfeld, che pare aver abbandonato la scintilla che la guidò ai tempi de Il grinta per abbracciare uno stile degno delle peggiori produzioni televisive Disney.

Perfino Julez, felicissima di ritrovare le protagoniste del primo film e di rinverdire i fasti dei tempi d'oro di Glee - prima che la stessa serie canterina sprofondasse nel ridicolo -, ha finito per passare giocando con il cellulare tutta la seconda metà del film, probabilmente restando sveglia soltanto per manifestare solidarietà con il sottoscritto, che aveva scelto di rinunciare alla visione di Child 44 per potersi rilassare insieme con questo.

Pitch Perfect 2 rappresenta, dunque, uno dei punti più bassi del Cinema americano di questa prima metà dell'anno, una proposta spillasoldi assolutamente vuota, becera e poco interessante, improvvisata e dozzinale, nonostante di fatto sia stata premiata da incassi altissimi che le hanno garantito - pare, purtroppo - un terzo capitolo che, a questo punto, mi guarderò bene dal precipitarmi a recuperare.

Tanto ho lottato - se così si può dire - per lasciarmi alle spalle il periodo da fan hardcore del solo Cinema d'essai e d'autore per concedere la giusta attenzione e gloria anche alle proposte action, quanto titoli come questo mi fanno rimpiangere i tempi in cui criticavo qualsiasi blockbuster o potenziale tale bollandolo come pellicola buona giusto per i poveri stronzi che dalla stessa finivano per farsi fregare, magari in sala, con tanto di soldi sul piatto.

Considerato che prodotti di questo tipo nascono esclusivamente per intrattenere ed alleggerire il cervello, - in particolar modo d'estate -, direi che Pitch Perfect 2 è doppiamente colpevole, e dunque almeno quattro volte meritevole di una sviolinata di improperi rifilatigli dal sottoscritto nel corso di una visione che non solo non è stata divertente, ma è apparsa anche forzata, lenta e sguaiata.

Dal primo all'ultimo minuto, insomma, di "perfect" non c'è proprio nulla.

MrFord

"I'm all out of faith
this is how I feel
I'm cold and I am shamed
lying naked on the floor."

Natalie Imbruglia - "Torn" - 

Into the woods

Regia: Rob Marshall

Origine: USA, UK, Canada
Anno: 2014
Durata: 125'

La trama (con parole mie): torna a grande richiesta sul bancone del Saloon la signora Ford, Julez, che non troppo tempo fa si è sobbarcata una delle fatiche da prodotti in sala che più temevo, la visione di Into the woods, musical/kolossal dal sapore di cocktail di fiabe targato Disney e firmato da Rob Marshall.
Avendo già letto la sua recensione, non posso che ringraziare la mia compagna di viaggio per avermi probabilmente risparmiato uno degli strazi maggiori di questo duemilaquindici.

“La la la la into the woods,

lalalalalalallalla into the woods,

into the woods lala lala,

papparappapa into the woods,

e alla fine………….. into the woods” – casomai non avessimo capito che film stiamo vedendo e tra un abbiocco e l’altro sognassimo di avere di fronte il vero e unico Into the woods aka The Evil Dead.

La recensione di questo film potrebbe senza dubbio finire qui.

Se non fosse che per questa ciofecaccia hanno speso la bellezza di 50 milioni di DOLLA (senza amore lungo lungo).

Se non fosse che il regista è Rob Marshall – quello di CHICAGO, porcocazzo!

Se non fosse che il cast è all stars (o quasi, dipende dai gusti) – Johnny Deep, che si candida col principe di Bel Air a garanzia di film demmmerda, Meryl Streep che anche basta, Anna Kendrick, che va bene tutto ma la più bella del reame anche no – ed è talmente anonima che il principe prova la scarpetta alle sorellastre senza accorgersi che non sono loro “l’amata” anche se Cinderella non indossa, come travestimento, neanche gli occhiali di Superman.

Se non fosse che il film è una brutta versione dell’imbruttito Once Upon a Time, che dico io, già c’è quello, già ormai fa cagarissimo, la necessità di rifarne una versione cinematografica “peggio te”, proprio non la vedevo.

Parlando per astrattismi aulici:

questo film è come un bel ragazzo che rispecchia proprio le caratteristiche fisiche che potrebbero piacerti. Nel mio caso è alto, biondo, con i capelli lunghi, gli occhi chiari e il fisicone. Ha all’incirca 17 ehm 18 anni. Ha pure un bel pisello, che non guasta. Del cervello ce ne freghiamo abbastanza, basta che sappia fare una frase con una subordinata semplice e pronunciare parole trisdrucciole.

Ma apre la bocca e non sa fare altro che grugnire. Neanche una tronca, un pensierino delle elementari, niente.

E magari ha anche il fiato fetente.

Questo film aveva tutto ciò che poteva piacere a me che sono una fruitrice di cinema di basso livello: è un musical, rientra nella categoria fantastico (mi accontento di poco), ha degli attori che riconosco.

Però: la musica è una cantilena talmente noiosa ma talmente noiosa, che ho ascoltato con più piacere le melodie stucchevoli sui titoli di coda. E oltretutto chiamarla musica è quasi un’iperbole considerato che sono quasi tutti recitativi (che odio in Rossini, figurarsi in un film al cinema).

La storia è risibile, farlocca, neanche tanto didattica.

Gli attori sono pessimi, tranne Meryl Streep che comunque porta a casa la pagnotta, anche se rinsecchita – ben lontani dalle meraviglie de I Ponti di Madison County.
(Johnny Deep che fa il lupo, invece, mi fa venire in mente Lucio Dalla e niente più).

Insomma un’altra bella schifezza che Mr. Ford si è evitato con piacere.
Ché io recensisco solo i film che lui non vuole guardare.
Degli altri parla lui. Per vostra fortuna.



Julez

 

“Attenti al lupo,

attenti al lupo,
living togheter.”
Lucio Dalla - "Attenti al lupo" -

 

Thursday's child

La trama (con parole mie): questo duemilaquindici non passerà certo alla storia per esaltanti weekend dalle uscite da pelle d'oca, e fino ad ora penso si tratti della stagione più scialba degli ultimi quattro o cinque anni. Se non altro, la rivalità tra il sottoscritto e Cannibal Kid pare essere tornata quella dei tempi d'oro, con pareri divergenti e continue provocazioni.
Sarà così anche questa settimana pasquale, o le vacanze avranno quietato la lotta?
Solo le nuove uscite e le prossime recensioni lo diranno!

"Merda, se avessi saputo che alla gara partecipava anche Ford, avrei dato forfait."

Fast & Furious 7

"Vedete, quel pappamolle laggiù e il Cannibale."

Cannibal dice: Il primo Fast & Furious era e resta mitico, i sequel decisamente meno...

Ovviamente Ford si è preso bene per questa serie partita a mille come una storia automobilistica e poi diventata sempre più il solito banale action solo con l'ingresso in scena del suo sogno erotico (non tanto) segreto The Rock. Mentre io invece mi sono allontanato da questa saga, che comunque continuerò a seguire, in maniera sempre più furious e soprattutto sempre più fast.

Ford dice: ed ecco una delle tamarrate più attese dell'anno al Saloon!

Fast&Furious, una serie partita malissimo per aspiranti tamarri patiti di macchine e video musicali hip hop con culi in primo piano, è diventata, dopo il pessimo Tokyo Drift, una saga action con le palle grazie anche all'ingresso nel cast di The Rock, spalleggiato per l'occasione da uno Statham nell'insolita veste di cattivo.

Inutile dire che, tra sequenze al limite dell'assurdo ed una scazzottata tra Michelle Rodriguez e Ronda Rousey, non vedo l'ora.

Wild

"Forse in mezzo a questo nulla riuscirò a non leggere le stronzate di quei due blogger."

Cannibal dice: Una visione radical-chic e quindi splendidamente cannibale, oppure una pellicola selvaggia e quindi orribilmente fordiana?

Lo scorpriremo presto, con la recensione in arrivo su Pensieri Cannibali nei prossimi giorni.

Ford dice: il titolo pare fordiano, ma come si sa, l'apparenza può ingannare.

Dove starà la ragione?

Personalmente, spero dalla parte della rinnovata e rinvigorita rivalità tra me e Peppa Kid.

Into the Woods

La versione strega cattiva di Katniss Kid.

Cannibal dice: Musical favolistico che ho già visto e di cui presto parlerò. In attesa che pure Ford trovi il coraggio, se ce l'ha e ne dubito, per cimentarsi con una prova del genere.

Ford dice: non avrei mai e poi mai avuto la voglia e il coraggio per affrontare questa roba. Fortunatamente, Julez l'ha fatto per me. Nei prossimi giorni in arrivo, dunque, la sua recensione.

Third Person

"Liam, toglimi di dosso quelle mani terrificanti!"

Cannibal dice: Le presenze di Mila Kunis, Olivia Wilde e James Franco potrebbero spingermi a guardarlo. Quella di Liam Neeson potrebbe fermarmi. Negli ultimi tempi però ho fatto quasi pace con lui, quindi potrei anche cedere. Con Ford invece no, non farò pace mai e poi mai, tranquilli.

Ford dice: il cast e la trama potrebbero anche incuriosirmi, ma il fatto che sia firmato da Paul Haggis finisce per convincermi meno delle mani di Liam Neeson e Megan Fox insieme.

Un po' come i pareri del mio rivale: potrebbero anche incuriosirmi, se non fossero tutti completamente fuori da ogni logica!

Second Chance

"Non dovevo partecipare a questa gara sapendo che c'erano Ford e Toretto."

Cannibal dice: Pellicola danese purtroppo per Ford non firmata dal geniale Lars von Trier, questo melodrammone è il nuovo film girato invece da Susanne Bier, la regista di Una folle passione. E se ancora devo recuperare quello che come protagonista vede una certa Jennifer Lawrence, figuriamoci quanto tempo ci metterò a recuperare questo con il fordiano Nikolaj Coster-Waldau di Game of Thrones.

Ford dice: ho sempre avuto un rapporto contrastato con Susanne Bier, passata da cose ottime ad altre degne dello squilibrato Von Trier. Per il momento penso passerò, ma chissà che in futuro non possa decidermi a concedere una visione.

Con Cannibal, invece, tutto è sempre chiaro: le sue opinioni sono frutto di una mente malata e distorta. Ahahahahah!

La scelta

"Non pensavo che Ford e Cannibal ci volessero così male." "Sinceramente, io sì."

Cannibal dice: Un film con Raoul Bova e Ambra Angiolini?

Mi pare che la scelta sia molto semplice: evitarlo come fosse un Ford.

Ford dice: la scelta è obbligata. Giro al largo.

Tempo instabile con probabili schiarite

"Se ti becco un'altra volta su Pensieri Cannibali m'incazzo davvero: vai su YouPorn, piuttosto!"

Cannibal dice: Con un film del genere prevedo tempo pessimo, senza possibilità di schiarite.

Ford dice: le probabili schiarite si avranno soltanto quando finiranno di essere distribuiti questi titoli.

Soldato semplice

"Ho avvistato Ford e Cannibal: meglio tenermi alla larga!"

Cannibal dice: Film di e con Paolo Cevoli, comico (comico???) di Zelig che al solo vederlo comparire sullo schermo mi viene da cambiare canale come movimento riflesso automatico. Un po' come quando vado su WhiteRussian e come riflesso automatico mi viene da scaraventare il computer giù dalla finestra e poi tirargli una bomba, giusto per assicurarmi che si sia effettivamente distrutto.

Ford dice: poche ore prima di scrivere questi commenti, ho visto il trailer di questo film. Neppure la peggiore delle critiche cannibali sarebbe riuscita a sconvolgermi tanto. Ed è tutto dire.

Stage fright

Regia: Jerome Sable

Origine: Canada

Anno: 2014
Durata: 89'

La trama (con parole mie): Kylie Swanson, diva in ascesa del musical, la notte del suo più clamoroso successo come protagonista di uno spettacolo che ricorda Il fantasma dell'Opera viene barbaramente uccisa lasciando orfani i suoi due figli, accolti come da un padre da parte del produttore e compagno della donna, Roger McCall. 

Dieci anni dopo Camilla e Buddy, al lavoro come inservienti nel campo estivo basato proprio sulla cultura del musical diretto da Roger, vengono a scoprire che verrà organizzato da studenti ed ex studenti una rilettura dello show che rese immortale la loro madre: e mentre Buddy cercherà di tenersi ai margini dell'operazione, Camilla finirà travolta da quell'irrefrenabile bramosia di luci della ribalta che costò la vita alla genitrice, finendo per guadagnare lottando con le unghie e non i denti - e non solo - il ruolo di protagonista.

Nel corso della preparazione della messa in scena, però, un misterioso omicida comincia a mietere vittime in tutto il campo, attendendo il suo vero e proprio tripudio conclusivo, che secondo i piani dell'improvvisata versione reale del nuovo "fantasma" avverrà proprio con il debutto dello show. 

Chi finirà per averla spuntata, una volta che i riflettori si saranno spenti?

Gli ultimi anni non sono stati certo teneri con l'horror, ed in misura ancora maggiore con il suo pubblico, costretto nove volte su dieci - quando andava bene - a confrontarsi con pellicole che definire di terza fascia continua ad apparire ottimistico.

Da grande appasionato del genere fin dai tempi dell'infanzia, ho finito per vivere con grande dispiacere questo momento di crisi apparentemente senza uscita, accogliendo tiepidamente i titoli proposti dalla grande distribuzione così come dal sempre ribollente universo della blogosfera: così Stage fright, interessante rilettura che unisce come in un cocktail apparentemente sconnesso musical e slasher, ha preso polvere nell'hard disk di casa Ford per un paio di mesi prima di vedersi chiamato in causa e sperimentato sulla pelle, quasi il timore dell'ennesima robetta neppure degna delle bottigliate superasse, di fatto, la curiosità motivata da una serie di recensioni decisamente positive passate in rete.
Devo ammettere, invece, che tutti i miei colleghi pronti a parlarne bene - perfino il mio acerrimo rivale Cannibal Kid - hanno avuto gran ragione ad avere più fretta di me di gustarsi questo sorprendente, nerissimo e divertente ibrido: oltre ad essere stato curato alla grande, quasi mescolando le atmosfere di cult come i Venerdì 13 o Scream - per quanto continui a considerare quest'ultimo sopravvalutato - alla struttura classica del musical - realizzando una scrittura ottima di canzoni come se ne intendono per lo standard del film musicale pur inserendo generi di norma non considerati come il metal -, gestendo elementi profondi e non da poco come il rapporto tra fratelli ed i segni che traumi infantili possono lasciare nell'intimo di chi li subisce tanto da rendere diametralmente opposte le reazioni di persone all'apparenza molto simili, l'opera firmata da Jerome Sable funziona quasi senza cedimenti dall'inizio alla fine.
Grazie, dunque, ad un cocktail insolito ma ben dosato, facendo affidamento sull'esperienza di veterani come Meat Loaf e sulle doti non solo canore di volti nuovi come la protagonista Allie MacDonald, il regista canadese Jerome Sable riesce a sorprendere come pochi altri nel corso delle ultime stagioni gli appassionati di horror, regalando al pubblico un gioiellino che, seppur imperfetto - soprattutto nel finale - è impreziosito da almeno un paio di sequenze a dir poco splendide - il confronto e la rivelazione dell'identità dell'assassino, l'arrivo al campus dei giovani aspiranti lavoratori futuri della grande macchina di Broadway e la splendida canzone che chiude i titoli di coda, da seguire e ricantare dall'inizio alla fine - e finisce per rappresentare uno dei titoli "outsiders" più riusciti che si potessero concepire partendo da una trama decisamente già nota ed un genere che, ormai, pareva non avere davvero più nulla da dare ad una qualsiasi audience.
Come se non bastasse tutto questo, Sable è davvero bravo a sottolineare anche un altro aspetto "oscuro" del mondo dello spettacolo, legato alla voglia di conquistarsi le luci della ribalta ed al cambiamento interiore che la stessa, una volta cresciuta ed alimentata, possa portare a chi lo vive: da Eva contro Eva a Viale del tramonto, sono molti gli esempi classici in questo senso, ed il regista trasferisce le stesse sensazioni sfruttando non solo l'incipit con protagonista Minnie Driver, ma anche la parabola della sua main charachter, il rapporto di quest'ultima con il regista e la sua diretta rivale per il ruolo principale, l'evoluzione dello spettacolo e l'intrecciarsi delle minacce passate e presenti, quello che porterà il futuro, sempre che qualcuno particolarmente assetato di sangue non si metta in mezzo per dire la sua.
Una sorta di parabola, dunque, all'interno della quale il nemico più pericoloso con il quale confrontarsi è rappresentato dal momento in cui, divorati dal desiderio di primeggiare sul palco - emblematica, per quanto divertente, la sequenza dello scontro tra la protagonista mancata e l'assistente di scena riscopertosi primadonna -, dimentichiamo quello che potrebbe essere il prezzo da pagare al cuore.
Resta solo da capire se preferiremo avere sangue sulle mani o sulla coscienza.

MrFord

"Raining blood
from a lacerated sky
bleeding its horror
creating my structure
now I shall reign in blood!"

Slayer - "Raining blood" -

The Rocky Horror Picture Show

Regia: Jim Sharman

Origine: USA, UK
Anno: 1975
Durata: 100'

La trama (con parole mie): Brad e Janet, reduci da un matrimonio, decidono di dare finalmente libero sfogo ai loro sentimenti e di sposarsi a loro volta. Quando, però, sulla strada del ritorno a casa, un violento temporale li costringe a chiedere aiuto agli occupanti di un castello visto in lontananza, le loro vite cambiano. Quella cui si trovano a bussare è infatti la dimora di Frank 'N Further, venuto dal lontano pianeta Transylvania per portare l'assoluta libertà nel sesso e nei costumi sulla Terra, dedito ad esperimenti e feste decisamente lontani dagli standard dei futuri sposini.

Accompagnati da personaggi inquietanti e grotteschi come Riff Raff, i due giovani finiranno prede del vortice di libidine orchestrato dallo stesso Frank, in attesa di rivelare quella che dovrebbe essere la sua più grande creazione - Rocky - senza sapere che l'intervento dell'ingestibile Eddie e le macchinazioni di alcuni suoi conterranei potrebbero mescolare completamente le carte in tavola.

La mia prima volta come spettatore del Rocky Horror Picture Show fu la migliore che si potrebbe chiedere ad un cult assoluto ed indimenticabile come il musical firmato da Richard O'Brien divenuto negli anni un fenomeno di massa planetario con schiere di fan incalliti di Frank 'N Further e soci: ero all'inizio dell'ultimo anno delle superiori, ed una sera fui portato da un gruppo di amici già appassionati al Cinema Mexico di Milano, locale storico che, da trent'anni, propone ogni settimana la versione cinematografica delle disavventure di Brad e Janet parallelamente ad una live con attori e partecipazione attiva - molto, molto attiva - del pubblico.
Per quanto, senza dubbio, il Ford di allora finì per divertirsi e lasciarsi andare in misura molto minore di quanto non farebbe il Ford attuale, quell'esperienza fu una delle più incredibili che la settima arte ed il potere che la stessa genera sarebbe stata in grado di farmi provare sulla pelle - in molti sensi -: e senza dubbio contribuirono alla creazione di questo ricordo gli amici che erano con me, l'atmosfera splendida del Mexico, il riso lanciato, l'acqua e i balli scatenati.
Ma nulla sarebbe stato lo stesso, senza il Rocky Horror.
Per quanto abbia amato, nel corso della mia successiva carriera di spettatore, musical meravigliosi come West Side Story - forse il mio preferito di sempre -, Cats o Hedwig, nessuno nel mio cuore avrà infatti mai la considerazione, l'amore e la capacità di farmi godere più della strampalata, caotica, travestita, ribollente, creatura di Jim Sharman, un affresco tra i più divertenti, sexy ed allo stesso tempo clamorosamente impacciati e grotteschi di sempre condito da una colonna sonora ed una selezione musicale praticamente perfette: eppure, nonostante gli innumerevoli pregi di questo affresco decisamente sopra le righe, niente potrebbe prendersi il merito della sua affermazione quanto la clamorosa galleria del cast of charachters, dall'indimenticabile Frank 'N Further, paladino della libertà di esprimere se stessi e del sesso sfrenato fino all'irrefrenabile Eddie, passando da Riff Raff e Magenta fino ai già citati quanto improbabili Brad e Janet.
Un gruppo variegato ed indimenticabile, in grado di fornire al pubblico tutte le differenze e diverse più o meno umanità in modo da stabilire da subito un contatto molto stretto - quasi quasi carnale - con i propri preferiti, sfruttando un meccanismo che, anni dopo, avrebbe reso così importante un lavoro come Lost, imitato alle feste e da una parte e dall'altra dello schermo praticamente fin dai primi giorni della sua uscita nelle sale: avremo dunque chi si immedesimerà in Brad e Janet, progressivamente conquistati e, chissà, per una certa morale, "corrotti", chi si crogiolerà nei panni dell'incontenibile Frank - che, considerati i Gallagher, pare fare del suo nome una sorta di garanzia -, chi si godrà semplicemente Magenta, altri che perderanno il sonno nel tentativo di spiegare il curioso e mellifluo Riff Raff, e ci sarà chi verrà travolto dall'istinto puro come Eddie o, semplicemente, finirà per chiedersi stranito cosa sta accadendo accanto a lui come Rocky.
Ed è profondamente giusto così.
Il Rocky Horror è infatti uno dei più importanti inni alla diversità positiva del Cinema, e se fosse possibile, sarebbe bello che ognuno di noi lo leggesse - o rileggesse - in maniera nuova e sorprendente, diametralmente opposta a tutte le altre: non che questo voglia necessariamente significare essere eccentrici o sopra le righe a tutti i costi, quanto un appello a chiunque ha tenuto tra le mutande ed in tutte le sue zone erogene la carica giusta per sorprendere la vita almeno quanto la stessa sorprese anche me al Cinema Mexico ormai quasi vent'anni fa.
Liberatevi di tutto, dal raziocinio al buon senso, e tuffatevi.
Sarà una delle prime volte più goduriose che possiate immaginare.
Che siate dalla parte di chi la sperimenta, o da quella di chi la insegna.

MrFord

"Don't get strung out
by the way I look
don't judge a book by its cover
I'm not much of a man
by the light of day
but by night I'm one hell of a lover
I'm just a sweet transvestite
from Transexual, Transylvania."

Richard O'Brien - "Sweet transvestite" - 

Ford Awards 2014: i film (N°15-11)

La trama (con parole mie): continua la carrellata dedicata al meglio del duemilaquattordici, con una seconda cinquina che passa direttamente dal mondo colorato e divertente - almeno nella maggior parte dei casi - della precedente a quello più autoriale ed alternativo, per quanto si tratti sempre di titoli non propriamente di nicchia. Quattro nomi decisamente importanti troveranno dunque spazio assieme ad una delle sorprese più gradite degli ultimi dodici mesi per questa seconda parte del momento più importante dei Ford Awards.

N°15: GRAND BUDAPEST HOTEL di WES ANDERSON

Il più radical chic tra i registi texani - e forse statunitensi - sfodera l'ennesima chicca confezionando in colori pastello un film dal gusto europeo e romantico, un divertissement d'alta scuola che non fa rimpiangere i suoi lavori migliori: forse i meno avvezzi non ne coglieranno tutte le sfumature, eppure si tratta di una delle cose più originali ed interessanti che riguardi l'interpretazione cinematografica dell'amore attuale.

N°14: JERSEY BOYS di CLINT EASTWOOD

Erroneamente giudicato un Eastwood minore da molti, dietro la maschera da musical incentrato sulla carriera di Frankie Valli e dei Four Seasons, Jersey Boys è un ritratto dolceamaro del sogno americano e della geografia delle periferie delle grandi città, dominata da regole ben precise che rispecchiavano, negli anni cinquanta e sessanta, i valori dell'amicizia e della Famiglia nel pieno stile dei film di gangsters. Classe pura e grande emozione.

N°13: 12 ANNI SCHIAVO di STEVE MCQUEEN 

E tanto Wes Anderson è riuscito a mostrare il lato europeo degli USA, tanto Steve McQueen ha compiuto l'impresa nel portare sullo schermo un'opera profondamente americana firmata da un figlio del vecchio continente.

La struggente vicenda - ispirata a fatti realmente accaduti - di Solomon Northup, interpretata con intensità spaventosa dai suoi protagonisti ed in grado di narrare senza eccedere in retorica il dramma dello schiavismo è uno dei capitoli più importanti del Cinema mainstream impegnato, nonchè una delle esperienze più forti dell'anno.

N°12: FRANCES HA di NOAH BAUMBACH

Come tutti gli avventori più "datati" del Saloon sapranno, Little Miss Sunshine è uno dei film del cuore di casa Ford e dei suoi occupanti, per tutta una serie di motivi che richiederebbero ben più di un post per essere raccontati.
Una delle caratteristiche principali di quella perla era la sua capacità di rappresentare la primavera: il lavoro del sempre ottimo Noah Baumbach e sorpresa numero uno dell'anno Frances Ha è riuscito principalmente in questo. Tradurre in immagini e in una protagonista a suo modo indimenticabile quella che, con ogni probabilità, è la mia stagione preferita.

N°11: A PROPOSITO DI DAVIS di JOEL ed ETHAN COEN

I Fratelli Coen, fordiani onorari, tornano sul grande schermo con uno dei loro lavori più atipici, una parabola decisamente amara sugli outsiders con un protagonista spesso e volentieri detestabile, eppure legato strettamente a tutti noi poveri stronzi che ci battiamo con tutte le forze per un posto al sole, poco importa in quale campo, basta sia quello che stimola maggiormente la nostra passione: e mai più di questa volta ha trovato un senso il verso "uno su mille ce la fa".



TO BE CONTINUED...

Mary Poppins

Regia: Robert Stevenson

Origine: USA

Anno: 1964

Durata: 139'

La trama (con parole mie): la famiglia Banks, all'ennesimo abbandono da parte di una tata, si affida - per Destino o volontà dei due figli, Michael e Jane - a Mary Poppins, insolita educatrice giunta letteralmente dal cielo e pronta a far riscoprire all'intero focolare domestico la capacità di sognare quanto la praticità delle questioni organizzative di tutti i giorni.

L'impatto che Mary ed il suo amico Bert avranno sulle esistenze di tutti i membri della famiglia - e non solo - sarà indescrivibile, e porterà una novità, una rinnovata voglia di vivere ed un cambiamento nel vento che allo stesso tempo avrà il potere di rendere più uniti tutti gli "assistiti" di Mary Poppins e di condurre la stessa ovunque ci sia di nuovo bisogno di lei.

Pare quasi incredibile, eppure all'alba della primavera duemilaquattordici non avevo ancora mai visto Mary Poppins.
Nonostante la sua fama, infatti, quello che è considerato come uno dei vertici dell'opera di Walt Disney in persona, un successo commerciale tra i più grandi della Storia del Cinema nonchè uno dei cult movies per eccellenza di intere generazioni di bambini non è mai entrato nell'allora casa Ford, complici il fatto che preferissi di gran lunga i film d'animazione e che il passaggio dagli stessi ai vari Bud Spencer, Stallone, Van Damme e John Wayne fu veloce quanto naturale.

Anzi, in tutta onestà, ai tempi, ricordo di aver più di una volta pensato che questo film costituisse, di fatto, roba per ragazzine, l'equivalente delle principesse Disney di oggi, un titolo buono giusto per prendere per il culo il Peppa Kid di turno.

In realtà, Mary Poppins fu - ed è - sotto molti aspetti un film rivoluzionario per l'approccio e le intenzioni: il vecchio Walt - che non doveva essere proprio l'ultimo degli stronzi, in termini di furbizia - riuscì, portando avanti l'orologio biologico dei tempi, a fondere il gusto di musical come West side story, l'atmosfera europea, la zuccherosità ed il vizio del sogno ad occhi aperti americano e la fascinazione visiva che, di fatto, anticipò i tempi di prodotti come Chi ha incastrato Roger Rabbit? e Hook - Capitan Uncino, consegnando all'audience una pellicola destinata a fare la Storia non solo del genere, in barba alla maggior parte dei suoi detrattori o dei numerosi critici all'approccio tipicamente disneyano legato al lieto fine, alla consolazione e al distacco dalla realtà.

Non posso negare, certo, che Mary Poppins ora risulti almeno in parte datato - anche se sequenze come quella dedicata agli spazzacamini, a livello visivo, appaiono clamorosamente visionarie anche ai giorni nostri, nel pieno del Nuovo Millennio - e che difficilmente i piccoletti figli della nostra epoca potrebbero affrontare le oltre due ore di un film così lontano dal gusto estetico e narrativo cui sono abituati, eppure c'è qualcosa, in questo lavoro, una scintilla che non solo è in grado di renderlo speciale, ma che potrebbe essere considerata come una sorta di manifesto dell'intero operato Disney, da Walt in avanti.

Per quale motivo, infatti, ci si diletta a sognare, quando il mondo che abbiamo attorno pare indicarci direzioni spesso e volentieri diametralmente opposte - esemplare, in questo senso, la sequenza che vede i due piccoli Banks fronteggiare il direttore della banca -?

Perchè perdere tempo con i sentimenti ed i lieti fini, quando ognuno di noi ben sa dove davvero tira il vento? 

Io stesso, in molteplici occasioni, mi sono trovato a bottigliare selvaggiamente prodotti colpevoli, principalmente, di aver prestato il fianco ad una retorica apparentemente buonista e zuccherosa, eppure allo stesso tempo, e guardando cose come Mary Poppins, mi pare di tornare ai tempi in cui, con grande partecipazione, gridavo il "Bangarang" che permetteva al fu Peter Pan di ricordare da dove era venuto e quel "Capitano mio capitano" che risvegliò le coscienze dei ragazzi de L'attimo fuggente: la sensibilità e la retorica, in fondo, fanno parte delle vite perfino dei più duri di noi, e spesso finiscono per essere addirittura più importanti per chi si prodiga con tanto fervore a nasconderle, e prodotti come questo - oltre ad essere decisamente più educativi di Peppa Pig ed altre stronzate da decerebrati che si propinano ai giorni nostri ai bambini - hanno il grande merito di porre basi che permetteranno, chissà, ai Michael e alle Jane di oggi di appassionarsi al Cinema, ed un domani, chissà, perfino di criticare e giudicare troppo mielosi film simili a questo.

E ci sono tante altre cose, di cui si potrebbe parlare, dalle canzoni - riuscitissime - ad un ritmo serrato che non appesantisce per nulla la durata - almeno per uno spettatore adulto -, dai cinque Oscar che la pellicola portò a casa alle interpretazioni memorabili di Julie Andrews e Dick Van Dyke, ma non credo che abbia tutta questa importanza: Mary Poppins, pur con colpevole ritardo, è arrivata a portare aria nuova anche in casa Ford, e tra qualche anno, piuttosto che contare su Teletubbies, Gormiti o schifezze del genere, sfrutterò appieno tutti i presunti difetti targati Disney di film come questo per trasmettere al Fordino tutto l'amore che continuo a provare per il Cinema.

MrFord

"Sono sui tetti, io vivo quassu
vicino alla stella che brilla di più
la notte colora i miei sogni di blu
e se mi vuoi bene li vedi anche tu".

Gigliola Cinquetti - "Cam camini" -

Les Misérables

Regia: Tom Hooper

Origine: UK

Anno: 2012

Durata: 158'

La trama (con parole mie): Jean Valjean, incarcerato all'inizio dell'ottocento dopo aver rubato del pane per la sua famiglia in povertà, dopo diciannove anni di lavori forzati torna finalmente un uomo libero. Perseguitato dalla sua condizione e dallo zelante ispettore Javert, trova rifugio in una chiesa: quando trafuga l'argenteria e viene catturato durante la fuga, però, il religioso che l'aveva ospitato confessa alle autorità di avere donato gli oggetti di valore all'uomo, scagionandolo.

Da quel momento la vita di Valjean cambia, e l'ex detenuto scompare cambiando identità e facendo tutto il possibile per aiutare i bisognosi: gli anni passano, la Francia cambia, la lotta tra poveri e ricchi continua, ma non si quieta il desiderio dell'ispettore Javert di ritrovare quel prigioniero che ancora ritiene si sia messo al di sopra della sua adorata Legge.

Nel frattempo Cosette, la figlia adottiva di Jean, una volta cresciuta si innamora di Marius, un rampollo di nobili schieratosi con il popolo nella lotta per la Libertà.

E così, anche in casa Ford si è deciso di affrontare uno dei candidati più forti della prossima corsa agli Oscar, quel Les Misérables tratto dall'omonimo - e notissimo - musical a sua volta ispirato dall'ancora più noto romanzo di uno dei più grandi scrittori di tutti i tempi, Victor Hugo.
So che probabilmente vi sareste aspettati di veder volare le bottigliate, considerate le premesse e considerato il regista - Tom Hooper, che un paio d'anni fa mi aveva regalato una delle sòle più clamorose delle ultime stagioni cinematografiche, il bolsissimo Il discorso del re -, eppure non ho trovato questo monumentale - in senso sia positivo che negativo - musical fiume così male come avrei pensato: la messa in scena è ricca ed ottimamente realizzata, il cast fisicamente in parte, alcuni passaggi musicali particolarmente riusciti - oltre alle notissime Stars e On my own l'apertura sul tema degli schiavi così come gli incroci con protagonisti Helena Bonham Carter e Sacha Baron Cohen ed il finale sulla melodia dedicata al popolo in rivolta sono particolarmente riusciti -, il climax emozionante, le tematiche importanti - ma qui, di nuovo, il merito va tutto al signor Hugo -.
D'altro canto, i suoi difetti più eclatanti non riescono ad essere imputabili - o almeno non troppo - alle scelte registiche: il fatto che sia completamente - e dico completamente - cantato e dunque particolarmente indigesto se visto a stomaco pieno e con un pò di stanchezza sulle spalle è dovuto alla stessa versione teatrale alla quale Hooper si è ispirato, il fatto che Russel Crowe e Hugh Jackman non siano proprio dei fenomeni come cantanti e che siano stati scelti per "fare cassetta" potrebbe essere responsabilità della produzione ed alcune parti clamorosamente "da Oscar" sono, in questi casi, un tributo quasi obbligato, soprattutto se si è un cineasta dal quale ci si aspetta, ormai, un papabile vincitore dell'ambita statuetta.
Come se non bastasse, mi sbilancio anche affermando senza troppi patemi d'animo che Les Misérables è risultato incredibilmente meno palloso di quanto non sia stato Lincoln - suo diretto rivale nella corsa a favorito dell'Academy -, e che alcune interpretazioni hanno pienamente reso giustizia ai personaggi figli della penna del mitico Victor - per quanto non mi sia mai piaciuta, Anne Hathaway è stratosferica, così come Samanta Barks nel ruolo di Eponine ed il piccolo Daniel Huttlestone in quello di Gavroche, vincitore del premio di preferito fordiano - aggiungendo pathos ad un drammone che altrimenti, complice la scellerata scelta dei recital vocali a raccordare le canzoni invece dei normali dialoghi, sarebbe stato davvero indigesto.
Certo, resta il dubbio che se la stessa materia fosse finita tra le mani di un regista in grado di osare di più - qualcuno ha detto Baz Luhrmann? - il risultato sarebbe stato sicuramente qualcosa di molto più simile ad un cult che non ad un tentativo di sdoganare un genere piuttosto classico nel più classico dei modi rispetto al grande pubblico - sfruttando, chissà, anche la spinta di un eventuale premio che anche i non appassionati di Cinema conoscono molto bene -, ma a conti fatti il lavoro di Hooper è quello di un artigiano che conosce bene il suo mestiere e sa quale materia sfruttare per catturare l'attenzione del pubblico più esigente - la ricerca di Javert ed il suo confronto con Valjean con annessa riflessione sul valore della Legge è roba grossa davvero, e la lotta e la rivoluzione sono in grado di infiammare sempre i cuori - così come di quello occasionale - la storia d'amore tra Cosette e Marius, le macchiette interpretate dai già citati Baron Cohen e Bonham Carter, il finalone spaccacuore -.
Una delusione mancata, quindi, che non rappresenterà certo il meglio che il Cinema potrà offrire al sottoscritto nel corso di questo 2013 ma che, al contrario del lavoro precedente del regista, certo non finirà nella classifica dedicata al peggio: molto più banalmente, siamo di fronte ad una proposta di quelle buone per tutti, e che proprio per questo rischia grosso l'incetta in una certa notte nel corso della quale sarà messa a confronto con titoli sicuramente più meritevoli, ma non per questo altrettanto vincenti - almeno sulla carta -. 

MrFord

"On my own

pretending he's beside me

all alone
I walk with him till morning

without him
I feel his arms around me

and when I lose my way I close my eyes

and he has found me."

Da Les Miserables - "On my own" -