Intervista ad Antonio Lobusto

MrFord: ciao Antonio, è tradizione del Saloon che gli intervistati rispondano per prima cosa ad una domanda alcoolica: quali sono i tuoi drinks preferiti? Cosa ordini nel momento in cui approcci un bancone come questo?  

Antonio Lobusto: prima di iniziare voglio ringraziarti  per lo spazio che stai offrendo a me e i miei lavori. Mi voglio complimentare con te per l’originalità del tuo blog. Davvero molto interessante.

Sinceramente  non vado pazzo per gli alcolici. Credo di aver bevuto qualche cocktail e un cicchetto di Rum in tutta la mia vita.

Normalmente ordino della birra, ma all’interno  del tuo ambiente potrei optare per qualcosa di più forte.

Ford: archiviate le fondamentali questioni alcoliche, ecco una domanda clamorosamente convenzionale: parlaci di te, del percorso che hai compiuto per giungere a Le formiche della città morta, di come è nata la passione per il Cinema. 
Lobusto: sin da piccolo passavo la maggior parte del tempo a guardare film, e in qualche  modo, dopo, mi piaceva ritrattare quelle scene e quelle storie nel mio piccolo angolo immaginario. In tutti questi anni non ho frequentato corsi o scuole di cinema. Credo che la mia formazione sia progredita fino ad oggi grazie all’interesse per il cinema, e solo negli ultimi 5 anni ho imparato a sviluppare una mia sfera critica riguardo a tale materia. Essenzialmente, mi considero un autodidatta del campo  anche se la base creativa è nata  dalla mia passione per la scrittura creativa, iniziando proprio dalla stesura di alcuni soggetti e sceneggiature.

Ford: parlando di Cinema e di realtà italiana, come vedi la situazione attuale per i registi in cerca di un futuro in quest'ambito? Nello specifico, pensi che ci siano prospettive per campare di settima arte ad un livello più underground, oppure no?
Lobusto: io penso che il cinema italiano si stia risollevando  dopo anni di  “letargo”, nello specifico, parlo di innovazione e di sviluppo di progetti ambiziosi. In primavera abbiamo assistito  a un punto di svolta con titoli che hanno fatto davvero scalpore come l’inaspettato e sorprendente “Lo chiamavane Jeeg Robot” (il primo lungometraggio) di Gabriele Mainetti, che ho avuto anche la fortuna di conoscere; “Perfetti sconosciuti” dai canoni teatrali ed emozionali ,senza dimenticare l’avvincente e adrenalinico “Veloce come il vento”. Questi sono segnali importanti e mi auguro sia solo l’inizio di una grande rinascita per il cinema nostrano.  Il cinema undeground , al momento, nel nostro paese , rimane un genere di nicchia, abbastanza particolare ed esclusivo.  Io personalmente lo preferisco e amo “sperimentare”. Il cinema ha bisogno di rinnovarsi, e credo che debba farlo partendo da questo genere.

Ford: come sei arrivato alla creazione di A bag e Remind? Raccontaci il percorso, la realizzazione, qualche aneddoto più o meno curioso sulla loro realizzazione.
Lobusto: inizio da “ A BAG” , il primo cortometraggio che ho realizzato. Premetto che già anni fa, avevo intenzione di girare uno “short” ma non riuscivo a trovare la giusta idea. Sinceramente ebbi molte idee prima ancora di scrivere il suo script, ma queste erano fin troppo “buone” e ambiziose per quel che doveva essere il mio primo passo.  L’idea più semplice e più arguta  prese forma dopo la visione di “Following” (il primo lungometraggio di Nolan).  Per questo progetto chiamai Sante Diomede, Antonio Chiarelli, che sarebbero stati i personaggi principali;  e Graziano Accoto ,come direttore della fotografia e operatore del cortometraggio. La realizzazione è durata un pomeriggio, sfruttando fino all’ultima luce prima del crepuscolo, di un sabato di Febbraio. A parte il vento fastidioso, questa “primo” esordio non è andato male.  Circa 4 mesi dopo riunì quasi gli stessi con l’aggiunta di  Chiara Sansone , la quale  doveva interpretare uno dei personaggi centrali di questo nuovo progetto, che poi sarebbe diventato “REMIND”. È stato fantastico assaggiare i momenti più intimi del mare e tutte le sue sfumature.  Queste esperienze mi hanno insegnato molto, sia dal lato tecnico sia dal lato umano. Quando mi trovo sul set, cerco sempre di immedesimarmi in quelle storie e trasmettere il tutto agli interpreti, con la miglior semplicità di questo mondo.

Ford: la cosa che mi ha maggiormente colpito, scelta del "muto" a parte, è stata il ruolo centrale della camminata, dell'inseguirsi: cosa ti ha portato lungo questa strada?
Lobusto: uno dei miei tanti obiettivi, era quello di realizzare qualcosa di particolare e d’inaspettato attraverso un gioco di sguardi e dinamismo. “L’inseguirsi” e la distanza , senza un’interazione “diretta” , sono state scelte intenzionali quanto funzionali.
Il muto è stato un limite di produzione anche se  in seguito si è rivelato abbastanza utile per alzare il livello della suspence.

Ford: come gestisci il rapporto con gli attori ed i tecnici? C'è una fase della realizzazione che non sopporti, o una che, invece, ti fa sentire come a casa?
Lobusto: gli attori e i tecnici sono stati sin da subito molto disponibili, e in seguito, si sono rivelati all’altezza della situazione.  Oltre alla disponibilità  ed alla pazienza, mi ha colpito molto l’impegno  professionale che hanno impiegato  nel corso delle riprese. Sinceramente preferisco le fasi  di sviluppo-lavorazione anziché quelle di post-produzione.
  Ford: i due corti non sono propriamente da "pensiero positivo": sei più il tipo da bicchiere mezzo pieno o mezzo vuoto?
Lobusto: mi reputo più un tipo da bicchiere mezzo vuoto. Preferisco sfruttare la sofferenza e tutta la gamma delle sensazioni negative o almeno quelle meno ottimistiche per creare qualcosa di veramente profondo ed emozionante. 

Ford: immagina di avere a disposizione un budget illimitato: che film vorresti realizzare? E quali attori sceglieresti come protagonisti?
Lobusto: domanda interessante. Se avessi a disposizione un budget illimitato, realizzerei  un solo tipo di film: quello capace di far provare dei brividi allo spettatore, per tutta la sua durata. Sarebbe bello. Ovviamente la sua fattibilità dipende dall’impiego delle migliori risorse, anche se, francamente, credo che in alcune circostanze, si possa realizzare un gran film anche con budget limitato. Passando agli attori, tra gli stranieri mi piacerebbe lavorare con Leonardo Di Caprio, Christian Bale, Edward Norton, Emma Stone e Nicole Kidman; mentre per gli italiani, sceglierei Pierfrancesco Favino, Elio Germano, Sergio Castellitto e Luca Marinelli. Tra le donne punterei sulla bella Valentina Lodovini e l’intrigante Greta Scarano.

 
Ford: chiudo con un'altra domanda ormai di rito del Saloon: un film italiano, uno straniero ed uno che associ a A bag e Remind che porteresti con te su un'isola deserta o in un bunker per proteggerlo dalla fine del mondo conosciuto.

Lobusto: questa è la domanda più difficile dell’intervista: in realtà ci sarebbero tanti film che porterei con me, ma se proprio devo scegliere

Film straniero: BLADE RUNNER

Film italiano:  NUOVO CINEMA PARADISO

Associati a Bag / Remind:   FOLLOWING/ MEMENTO

 

*Vorrei aggiungere che questi cortometraggi debbano identificarsi non solo attraverso il mio nome, ma anche con quelli di : SANTE DIOMEDE, ANTONIO CHIARELLI, GRAZIANO ACCOTO e CHIARA SANSONE perché senza di loro tutto questo non sarebbe stato possibile.

Grazie James, è stato un piacere rispondere alle tue domande.

A presto e buon lavoro!

The Jinx - La vita e le morti di Robert Durst

Produzione: HBO

Origine: USA

Anno: 2015
Episodi: 6

La trama (con parole mie): agli inizi degli Anni Zero, a Galveston, in Texas, viene ritrovato il cadavere smembrato del settantenne Morris Black, che viveva solo in un appartamento nella periferia della città. Scoperto uno strano collegamento con la vicina di casa dell'uomo, una donna muta spesso in viaggio, la polizia locale trova una traccia che pare ricondurre a Robert Durst, miliardario newyorkese erede di una famiglia di proprietari di immobili tra le più influenti di Manhattan, che viene arrestato per omicidio e smembramento di cadavere, si fa pagare la cauzione da duecentocinquantamila dollari e sparisce, in fuga.

Arrestato di nuovo per aver rubato un panino in un supermarket, su Durst si scatena un circo mediatico e legale: l'uomo, infatti, è legato alla misteriosa sparizione della sua prima moglie,risalente all'ottantadue, per la quale non è mai stato ufficialmente indagato, ed all'omicidio della sua più cara amica, avvenuto a Los Angeles nel duemila.

Andrew Jarecki e la sua troupe, pronti ad indagare sull'uomo dietro i racconti e le cronache, affrontano Durst in una serie di interviste pronte a scavare nella sua vita e nei ricordi.

Ricordo ancora bene la prima volta che vidi Capturing the Friedmans - Una storia americana, firmato da Andrew Jarecki: rimasi sconvolto non solo per la storia di questa famiglia ai limiti dell'allucinante, per il tema trattato - la pedofilia, da sempre uno dei miei nervi scoperti pronto a suscitare posizioni decisamente poco liberali e democratiche nel sottoscritto - e per l'approccio del regista Andrew Jarecki, bravissimo nel riportare la vicenda rimanendo totalmente super partes, di fatto mostrando quello che dovrebbe essere il lavoro del documentarista.

A distanza di anni, e dopo una breve parentesi dedicata alla fiction - il film All the good things, tra l'altro ispirato proprio alle vicende di Durst e della sua prima moglie Kathy -, Jarecki torna all'ovile confezionando una miniserie targata HBO tra le più interessanti degli ultimi anni, decostruendo un altro pezzo della realtà made in USA affrontando faccia a faccia proprio Robert Durst, sfruttando una serie di interviste in modo da fare luce su quella che deve essere stata non solo la vita di quest'uomo misterioso, potente, inquietante e senza alcun dubbio disturbato, ma anche sulle vicende giudiziarie che l'hanno visto protagonista, dalla sparizione della sua prima moglie nell'ottantadue al processo per omicidio e smembramento di cadavere nei primi anni zero, passando attraverso l'uccisione dell'amica di una vita Susan Berman.

Come fu, dunque, per Capturing the Friedmans, Jarecki adotta il suo modello "distaccato" anche nell'approccio al camaleontico e senza dubbio molto televisivo - in termini di sfaccettature - personaggio di Robert Durst, evitando di giudicarlo a priori, ascoltando tutte le parti in causa - dai suoi avvocati ai giurati che lo considerarono "innocente", senza dimenticare le amiche della moglie scomparsa convinte della sua responsabilità nella presunta morte di Kathy e la famiglia di Susan Berman - finendo per risultare addirittura in difficoltà nel momento in cui le prove raccolte dalla troupe prendono la forma, di fatto, di una vera e propria accusa: l'epopea di Durst, a partire dalla sicuramente ingombrante eredità familiare - il padre, icona dell'immobiliarismo rampante di Manhattan, la madre suicidatasi davanti ai suoi occhi, la potenza del denaro e dell'influenza, la rivalità con il fratello - fino agli squilibri emotivi, la capacità di mentire a se stesso tanto quanto agli altri, di riuscire a scampare da un'accusa di omicidio dirottando la giuria verso la legittima difesa dopo essersi fatto arrestare per aver rubato un panino da sei dollari con una borsa in macchina con quasi cinquantamila in contanti, il fascino magnetico legato, probabilmente, ad una natura predatoria che si specchia più che bene in occhi che ricordano quelli di uno squalo, è del resto perfetta per il piccolo come il grande schermo, tanto fuori dagli schemi riesce a sembrare.

Il lavoro di Jarecki non da una risposta definitiva - a quello avrebbe pensato la Legge non troppo tempo dopo l'uscita della miniserie -, ma resta un documento agghiacciante legato alla vita di un uomo con i mezzi per poter fare qualsiasi cosa e la devianza per trasformare quel "qualsiasi cosa" in atti terribili ed efferati: ed osservare quell'ometto magro ed anziano che quasi pare ancora più piccolo ed innocuo di fronte a Jarecki muovere le mani e sbattere gli occhi come fosse un serpente in procinto di mordere è una fotografia come poche altre sono state scattate nella Storia della settima arte dell'oscurità presente nell'animo umano.

MrFord

"The moon shines in the autumn sky
growin' cold, the leaves all die
I'm more alone than I've ever been
help me out of the shape I'm in
after the fires, before the flood
my sweet baby, I need fresh blood."

Eels - "Fresh blood" - 

Intervista a Klaverna

La trama (con parole mie): come consuetudine quando qui al Saloon viene presentato il lavoro di un giovane autore, diamo spazio alla "voce" dell'autore stesso grazie ad un'intervista che racconti qualche retroscena sulla realizzazione del film recensito e sul percorso umano e cinematografico dell'uomo dietro la macchina da presa.
Ecco dunque sedersi al bancone la firma di Paese per nessuno, Klaverna.

Ford: Ciao Klaverna, e benvenuto al Saloon. E' consuetudine, da queste parti, iniziare con una domanda rigorosamente alcolica: quali sono i tuoi drinks preferiti? Cosa ti andrebbe di ordinare potendo riprendere fiato al bancone di questo luogo di Frontiera?

Klaverna: Ciao James, vorrei bermi un doppio whisky scozzese e se possibile proveniente dalle Ebridi o dalle Orcadi.

F: Archiviate le fondamentali questioni alcoliche, ecco una domanda clamorosamente convenzionale: parlaci di te, del percorso che hai compiuto per giungere a Paese per nessuno, di come è nata la passione per il Cinema e anche di questo nome d'arte che ho trovato curioso fin dalla prima volta.

K: La passione è antica… Riverberano ancora nella volta cranica le luci dei primi film che ho visto… I veri pionieri del mio immaginario (mi rivedo bambino in una grande sala al buio, un fascio di luce da un foro e  il suono meccanico del proiettore… Gli occhi puntati avanti e di fianco la presenza confortante di mio padre che profuma di tabacco).

KLAVERNA è il mio alias artistico, prima musicale poi anche registico;  il nome proviene da “American Tabloid”, un romanzo di James Ellroy (si vede per un attimo una sua foto in cornice nel film).

Per creare Paese per nessuno sono stato mosso dall'incrollabile convinzione di volerlo portare a termine, l’essenziale è crederci!… Chiaramente si attraversano paesaggi-passaggi (interiori) problematici e a volte anche disperanti, ma devono restare intimi e devono durare poco… I problemi vanno risolti (meglio spostati) uno dopo l’altro… Il fine è finire il film! 

Nel concreto ho cercato una piccola storia che potessi filmare con zero budget, una storia intima ma universale e contemporanea che potesse prescindere anche dai testi, in cui le immagini e le loro suggestioni potessero portare da sole il film stesso.

F: Altra domanda di rito, considerata la tua appartenenza al Cinema di nicchia italiano lontano dalla grande distribuzione: riesci a campare con la macchina da presa, o sei costretto a ripiegare su lavori "normali" come tutti noi comuni mortali?

K: Sono al primo film e  per me il Cinema non è un lavoro… E' una forma di miglioramento…

Una terapia di matrice ossessiva,  fondamentalmente  è un modo di guardare la realtà e di viverla… Anche quando non filmo e sto “solo” vivendo, ecco anche allora sto facendo “solo” Cinema.

F: La gestazione di un'opera non è mai - o quasi - lineare ed immediata: raccontaci la genesi di Paese per nessuno, la sua evoluzione e realizzazione, magari impreziosendo il tutto con qualche aneddoto curioso.

K: Non penso mai lo scritto (leggi sceneggiatura) come qualcosa di intoccabile, ma piuttosto come qualcosa da cui poter divergere… Si deve voler rispettare il caso che poi è anche il caos…

Prima e durante le riprese è buona norma assicurarsi che i venti sconosciuti possano permeare l’aria del set…

Nel concreto di PPN, poco prima di iniziare le riprese, la persona a cui avevo affidato un ruolo importante nella seconda parte del film (nella casa a picco sulla frana), si era reso irreperibile, tanto da spingermi a cercare un sostituto: ecco! La persona che ho incontrato per la sostituzione, è poi diventato il fratello del primo attore (che poi si è reso disponibile) nel film!

Di fatto la seconda parte del film e la storia del (non) rapporto tra i due fratelli è stata creata grazie alla problematica generata dall’interprete che si era reso irreperibile!

F: Ho visto Paese per nessuno esattamente ad un anno di distanza - e senza pensare alla coincidenza - dal suicidio di uno dei miei migliori amici: come vivi il rapporto con il concetto, e cosa ti ha spinto ad analizzarlo attraverso la figura del tuo protagonista?

K: La società è la più grande fabbrica di suicidi al mondo… 

La famiglia spesso è il luogo dove si sperimentano le solitudini e le incomprensioni più laceranti per l’io… Credo che poi ci possa essere sempre una propria via, una propria possibilità di vivere o di saper superare gli ostacoli… C’è poi chi vuole consciamente la propria fine e la scelta è definitiva... 

La depressione è in costante crescita (“la crisi è nei cervelli”)… Non ci sono taumaturghi…

Scagliati nella fossa i demiurghi… I problemi sono per chi resta comunque. 

Nel film “il suicidio” è sicuramente il motore della storia, ma ancora di più mi interessa posare lo sguardo sulla solitudine e vedere come questa agisce deformando azioni e personalità.

F: Come gestisci il rapporto con gli attori ed i tecnici? C'è una fase della realizzazione che non sopporti, o una che, invece, ti fa sentire come a casa?

K: Quando sono sul set sto sempre bene, anche se persone e cose da gestire non sono facili… Anzi… Fare un film realmente indipendente è un'impresa titanica, è proprio come tentare di portare una barca sopra una montagna… Ogni fase va supportata e sopportata con rigore e convinzione totali…

Io filmo con una troupe inesistente… Ci sono solo io e gli interpreti, sicuramente perché ho zero budget, ma anche perché questa condizione di povertà mi aiuta a creare una situazione protetta ed intima con gli attori che ricerco alla prima esperienza.

F: Senza spoilerare selvaggiamente il destino di Jacopo nel corso della pellicola, per te il bicchiere rispetto alla vita è mezzo pieno o mezzo vuoto?

K: A parte Jacopo e la sua parabola… Il bicchiere è sempre mezzo vuoto per me, proprio perché questo cosmico-comico bicchiere lo dobbiamo voler riempire in continuazione e senza sosta… Se si è capaci e se si è conformato il giusto spazio, c’è sempre “ l’inatteso”  pronto a tuffarsi nel bicchiere …

F: La domanda di chiusura è un altro rito delle interviste al Saloon: scegli un film italiano, uno straniero ed uno che associ idealmente a Paese per nessuno che porteresti su un'isola deserta salvandoli dall'Apocalisse. 

K: In ordine:  “Accattone” di Pier Paolo Pasolini, “Workingman’s Death” di Michael Glawogger, “ Last Days” di Gus Van Sant.

E ringraziando Klaverna anche per essere il primo tra gli intervistati del Saloon a centrare tutti e tre i titoli scelti incontrando anche i gusti del sottoscritto, alziamo i calici al nostro ospite ed al suo Paese per nessuno.

MrFord

Intervista a Simone Bartolini

La trama (con parole  mie): dopo aver ospitato qui al Saloon il suo Le formiche della città morta, è il turno del giro di bevute con il suo regista Simone Bartolini, che per l'occasione si siede al bancone con questo vecchio cowboy pronto a raccontare del suo lavoro, della passione che lo muove e del Cinema.
In alto i calici, dunque, e che inizino le danze.

Ford: Ciao Simone, e benvenuto al Saloon. E' consuetudine, da queste parti, iniziare con una domanda rigorosamente alcolica: quali sono i tuoi drinks preferiti? Cosa ti andrebbe di ordinare potendo riprendere fiato al bancone di questo luogo di Frontiera?

Simone Bartolini: Ciao a te e a tutti i tuoi lettori.

Nei momenti di relax amo bere un buon whiskey torbato liscio. In alternativa, un drink che apprezzo molto è proprio il white russian, che mi sembra di capire sia anche una tua buona conoscenza.

F: Archiviate le fondamentali questioni alcoliche, ecco una domanda clamorosamente convenzionale: parlaci di te, del percorso che hai compiuto per giungere a Le formiche della città morta, di come è nata la passione per il Cinema.

SB: Non saprei dire con esattezza a quando risale la nascita della mia passione per il Cinema, però so per certo che sin dall'infanzia ho provato una forte fascinazione per la settima arte. Crescendo poi questo amore è cresciuto con me, tant'è che giunto agli studi universitari non ho potuto fare a meno di iscrivermi alla facoltà di Scienze Umanistiche, che annovera tra i suoi corsi il Dipartimento di Arti e Scienze dello Spettacolo con indirizzo Cinema.

F: Parlando di Cinema e di realtà italiana, come vedi la situazione attuale per i registi in cerca di un futuro in quest'ambito? Nello specifico, riesci a campare di settima arte o sei costretto a ripiegare anche su altro?

SB: Sin da quando ho quindici anni ho fatto i lavori più disparati e, sinceramente, non ho mai pensato che il Cinema potesse essere un lavoro a tempo pieno. Questo però dipende anche da come ci si pone nei confronti di questo ambiente, che è molto più ostico di quello che comunemente si possa pensare. Anche attualmente svolgo un mestiere che non rientra nelle mansioni dell'ambiente cinematografico ma continuo a sentire il bisogno innato di tornare a rapportarmici da vicino.

F: Personalmente, sono rimasto piacevolmente colpito da Le formiche della città morta, che forse è il lavoro "indie" più interessante che mi sia capitato di visionare da quando ho aperto WhiteRussian: come sei arrivato alla sua creazione? Quali sono stati i momenti migliori, e peggiori? Sono sempre ben accetti aneddoti assurdi o divertenti.

SB: La creazione di "Le formiche della città morta" è stata molto spontanea, posso tranquillamente dire che ne sentivo l'urgenza. Volevo narrare uno spaccato di vita esemplare di una realtà che è sotto gli occhi di tutti ma sul quale in molti preferiscono non soffermarsi. La tossicodipendenza è vista come un malcostume d'altri tempi ma oggi è più che mai attuale; ho perso molti amici a causa di questa piaga sociale. Ci tengo comunque a precisare che l'intento del mio film non era comunque quello di condannare chi finisce con l'esserne schiavo, in molti casi sono persone anche buone che però hanno una curiosità e un'attrazione molto intensa per l'astrazione (credo che il mio film racconti abbastanza chiaramente questo aspetto).

F: Nel tuo film il ruolo della dipendenza è centrale, rispetto alla vicenda del protagonista: quanto c'è di tuo in questo? Da grande amante dell'alcool, sono curioso di capire come vivi questo concetto, e cosa ti ha mosso a farne uno degli elementi centrali di questo lavoro.

SB: La dipendenza è chiaramente il tema portante della pellicola e se ho scelto la tossicodipendenza come argomento centrale è stato perché essa ne è la massima espressione. Esaminandola nel dettaglio si può notare come porti alla dissoluzione di ogni altro aspetto della vita di chi ci si invischia. Volente o nolente, un tossicodipendente, si troverà a pagare lo scotto della sua scelta. Vi sono anche casi di persone che riescono ad "amministrarla" con più parsimonia, ma bisogna avere una predisposizione quasi disumana. Io stesso mi rendo conto di quanto la dipendenza, in molti campi, sia un elemento centrale della mia esistenza. Anche quella dai rapporti interpersonali, affettivi, può essere deleteria.

F: Come gestisci il rapporto con gli attori ed i tecnici? C'è una fase della realizzazione che non sopporti, o una che, invece, ti fa sentire come a casa?

SB: Gestire il rapporto con tecnici e attori è uno degli elementi più complessi e coinvolgenti al tempo stesso. C'è uno scambio continuo e si entra in stretto contatto con la mentalità dell'interlocutore. Chiaramente capita spesso anche di scontrarsi ma questo può essere un bene ai fini della realizzazione dell'opera, poiché si crea una tensione che, se ben gestita, può essere riversata sul lavoro e rendere palpabile il pathos a coloro che saranno gli spettatori esterni, pur non sapendo minimamente quali siano state le dinamiche della creazione.

Le fasi di realizzazione possono essere tutte molto avvincenti. Personalmente quella che mi regala più piacere è la fase del set, forse perché è lì che si vanno a mettere insieme gli ingredienti che poi in seguito dovranno essere lavorati con attenzione al montaggio e in tutte le fasi di post-produzione.  Anche il montaggio, sebbene sia diametralmente opposto rispetto al lavoro sul set, ha per me un forte fascino. Alcuni registi preferiscono affidarsi ad un montatore esperto dandogli delle direttive, per me è impensabile. Credo che la fase di montaggio sia una buona fetta della regia, quindi non credo riuscirei a fare a meno di seguirla in tutto il suo svolgimento.

F: Senza anticipare nulla rispetto all'evoluzione della trama ed alla chiusura della pellicola, la tua visione in merito è di natura pessimistica, o sei uno di quelli che vive con il bicchiere mezzo pieno e continua a sussurrare "fino a qui tutto bene, fino a qui tutto bene?"

SB: Per me il bicchiere è sempre mezzo vuoto. Non dico di essere un pessimista a pieno titolo ma ho sempre la sensazione che si possa fare di meglio.

F: Se dovessi scegliere il cast per un tuo film ideale, quali sarebbero l'attore e l'attrice irrinunciabili, senza limiti di budget e produzione?

SB: Ce ne sarebbero troppi... soprattutto non avendo alcun limite di budget. Mi limiterò a dirti i primi due che mi vengono in mente: Adrien Brody e Kirsten Dunst.

F: Chiudo con un'altra domanda ormai di rito del Saloon: un film italiano, uno straniero ed uno che associ a Le formiche della città morta che porteresti con te su un'isola deserta o in un bunker per proteggerlo dalla fine del mondo conosciuto.

SB: Rispettivamente La Strada di Federico Fellini, Antichrist di Lars Von Trier e Amore Tossico di Claudio Caligari.

Ed ora non resta che brindare a Simone Bartolini - nonostante la sparata grossa su quell'abominio di Antichrist -, a Le formiche della città morta ed alla speranza che il Cinema italiano non sia morto, e passi anche e soprattutto da proposte giovani ed interessanti come questa.

MrFord

Doppelganger

Regia: Gian Guido Zurli

Origine: Italia

Anno: 2015
Durata: 58'

La trama (con parole mie): nel pieno dell'estate del 2017 la giovane Anna scopre accanto a lei al risveglio una misteriosa scatola rossa contenente un'iscrizione che non riesce a decifrare. Parallelamente all'inquietante ritrovamento, la telefonata di un'amica la mette in allarme: deve raggiungere il più in fretta possibile quest'ultima nei pressi di una villa diroccata nelle vicinanze in modo da poterla aiutare.

Nel frattempo, nel 1817, seguiamo le indagini di un commissario legate all'apparente suicidio di Vittoria, una ragazza identica ad Anna coinvolta in un intrigo che vede protagonisti un inquietante prete ed una nobile di origini francesi.

Quale legame unisce le due ragazze? E dove porterà il messaggio contenuto nella scatola?

Gli avventori storici del Saloon dovrebbero ormai sapere quanto al sottoscritto piaccia dare spazio ai giovani registi che cercano di trovare una collocazione all'interno del difficile mondo della settima arte, soprattutto in un Paese non proprio ben messo in questo senso come il nostro: e così è per Gian Guido Zurli ed il suo Doppelganger, interessante progetto che vede mescolarsi atmosfere che ricordano il Cinema di genere made in Italy anni settanta e le suggestioni più recenti di un Maestro come Lynch.

Certo, scritto in questo modo pare che ci si trovi di fronte a qualcosa di clamoroso ed incredibile, ma non temete: come sempre qui al Saloon siamo pane e salame, e per il buon GG vedrò di essere il più schietto e sincero possibile sperando con la mia opinione di poter dare indicazioni utili per il futuro, pur non essendo un regista e non volendo certo cimentarmi in questo spesso ingrato compito.

Doppelganger - titolo decisamente azzeccato e sempre intrigante - è un esperimento poggiato su basi ed ispirazioni senza dubbio funzionali e su un'idea sicuramente affascinante - quella del tema del doppio impreziosita dagli sbalzi temporali -, che sfrutta bene l'ambientazione estiva - nonostante il tema sia decisamente "oscuro" - e regge la sua durata: dall'altra parte, dovendo necessariamente anche parlare degli aspetti negativi, ho trovato il lavoro di Gian Guido più convincente in fase di regia che non di montaggio - il Nostro ha curato entrambi gli aspetti -, a volte troppo frettoloso nel far prendere una direzione all'opera - ma ci sta, in fondo non penso si sarebbe potuto realizzare un prodotto di due ore per poter spiegare per filo e per segno ogni aspetto - ma soprattutto penalizzato da una confezione piuttosto artigianale - che non è necessariamente da interpretare come un aspetto negativo, si pensi all'ottimo Lidris cuadrade di tre di Bianchini - e da un cast non propriamente professionista.

In questi casi sarebbe facile, comunque, criticare aspramente un lavoro che, al contrario, non dev'essere stato affatto semplice, ma allo stesso tempo apparirebbe disonesto affermare che Doppelganger sia esente da difetti o pronto per palcoscenici come concorsi e premi cinematografici: Gian Guido dovrà rimboccarsi le maniche e lavorare ancora, e ancora, e ancora.

Le basi ci sono, le influenze anche - il fatto che l'ombra di Lynch sia presente non risulta eccessivo, radical chic o spocchioso, anzi -: ora starà solo all'autore non mollare e tentare il tutto per tutto in modo da proseguire lungo la strada che ha scelto, e che in Italia pare ormai abbandonata da troppo tempo.
Del resto, reinventare il Cinema di genere potrebbe essere una delle cure più efficaci per riportare la nostrana settima arte ad un livello ben oltre quello cui ormai ci siamo tristemente abituati.

MrFord

Di seguito, l'intervista al regista Gian Guido Zurli ed alla protagonista Clelia Cicero:

-  James Ford:  Gian Guido, Clelia, come al solito, si parte dalla domanda di rito per gli avventori e gli ospiti del Saloon: il vostro rapporto con l'alcool è buono? Cosa bevete di norma? Quali sono i vostri preferiti? Reggete abbastanza da pensare di passare una serata da queste parti?

Gian Guido Zurli: Non reggo molto l’alcool. Di solito bevo caffè. Preferisco un bicchiere di vino veramente buono ogni tanto ad uno modesto tutti i giorni.

Clelia Cicero: Buonissimo. Non ho il vizio. Mi piace bere poco, ma bene. Amo i vini. Di solito mi faccio consigliare da chi so che se ne intende. E poi, purtroppo, il mio preferito è lo champagne! 

- JF: Alle spalle l'intro alcoolica, la domanda di rito in questi casi: chi siete e cosa fate? Cosa vi ha portati qui, cosa accompagna la passione per il Cinema e dove sperate o pensate vi porterà questa strada?

Gian Guido Zurli: Non ho idea dove mi possa portare. Per il momento sono felice di poter raccontare delle storie molto interessanti e piene di misteri. Sono sempre stato appassionato di cinema e faccio il montatore da 15 anni. Insegno montaggio video su Final Cut Pro X e Premiere Pro CC, ho scritto numerosi manuali sull’argomento e collaboro con il sito I Fiori Del Male, che organizza rubriche video con Philippe Daverio, Vittorio Sgarbi e altri illustri personaggi. Dopo tutte queste esperienze ho pensato di provare a mettere in scena un prodotto cinematografico per il web, coinvolgendo circa una trentina di persone.

Clelia Cicero: Io sono un'attrice e cantante professionista. Questo è il mio lavoro e la mia passione. Amo questo mestiere con tutta me stessa. Mi ha portato fino a qui e mi guida tutt'ora un infinito e profondissimo amore per l'arte e la verità. Il mio sogno nel cassetto è continuare a lavorare in questo ambito e crescere e migliorare sempre di più come artista. 

Un attore non è mai solo un esecutore. Ogni interprete è differente e riesce così a creare una unicità nei personaggi che interpreta. Così, ogni Amleto o Desdemona saranno diversi e la loro bellezza e universalità non si esauriranno mai. Ogni attore ha da dire qualcosa che è solo suo.  Di conseguenza un'altra meta è quella di essere autrice di me stessa. Sto scrivendo un disco e spero anche di produrre un monologo teatrale.

-   JF:  GG, da regista ci si deve sempre occupare di diversi aspetti nella realizzazione di un film: quali sono i tuoi preferiti, e quali, invece, quelli che apprezzi meno e che delegheresti volentieri ad altri?

Gian Guido Zurli: Io mi occupo praticamente di tutto, dall’idea iniziale alla promozione del film. Questa la lascerei volentieri a qualcun altro. I miei aspetti preferiti sono proprio la messa in scena e anche il montaggio. Durante le riprese abbiamo la fortuna di poterci appoggiare ad un direttore della fotografia molto bravo, Andrea Ampollini e ad operatori professionali, che naturalmente sono anche amici.

- JF: Stessa domanda per la protagonista: com'è lavorare con un regista? E, in particolare, con GG?

Clelia Cicero: Lavorare con un regista è stimolante. È la guida carismatica di un progetto nel quale si crede. Il regista è come un direttore d'orchestra che deve saper far "suonare" tutti gli strumenti (attori e troupe) alle loro massime potenzialità al fine di creare una musica perfetta e incantevole. È il ruolo più difficile in un film o a teatro. Lavorare con Gian Guido è molto piacevole. Il suo entusiasmo e la passione che condividiamo per il genere del mistero e dell'orrore mi hanno convinta a far parte di questo progetto. 

-  JF:   Altra domanda classica in queste occasioni: come è nato Doppelganger? Quali sono i processi che hanno portato alla sua realizzazione, e alla vostra collaborazione?

Gian Guido Zurli: DOPPELGÄNGER è nato con qualche idea frammentaria. Cosa succederebbe se una ragazza, al suo risveglio trovasse una scatola rossa con dentro un messaggio scritto con simboli alchemici? Cosa succederebbe se questo messaggio fosse stato lasciato da una sosia maligna di questa ragazza? E se questa sosia maligna fosse vissuta 200 anni prima? E da li l’idea di realizzare una storia che si svolge contemporaneamente in due epoche diverse. Inizialmente il progetto era nato per realizzare una serie di foto che non ho mai portato a termine. In corso d’opera mi sono reso conto che una storia come questa doveva essere raccontata con il mezzo audiovisivo. Fortunatamente, dal punto di vista tecnico, non é stato impossibile da realizzare lavorando nel settore da anni. La fase successiva è stata quella di cercare un’attrice invece di una modella.

Clelia Cicero: Gian Guido mi ha chiesto un incontro. Mi ha proposto di essere Anna Persico in Doppelganger. Mi ha raccontato la storia e dopo aver letto la sceneggiatura, che mi ha molto intrigata, ero convinta a partecipare.

Mi interessa il genere, l'atmosfera che emerge, il tuffo nel passato, la bellezza delle location e la possibilità di fare cinema, più in generale, per arricchire la mia esperienza.

-   JF:  Come in ogni tipo di ambito di lavoro, anche il Cinema nasconde pregi, difetti, lotte intestine e legami stretti: come è stato costruire Doppelganger? Il clima sul set era quello da gruppo di amici o l'atmosfera virava più su una collaborazione prettamente lavorativa? Quali sono i lati umani che più e meno preferite di quando girate?

Gian Guido Zurli: Alcuni membri della troupe o del cast erano amici o colleghi che già conoscevo. Altri li ho conosciuti per poter realizzare questo progetto. Ho un ottimo rapporto con chiunque e ciascuno di loro è fondamentale per raggiungere il risultato finale. Sicuramente questa esperienza ha aumentato il legame con molti di loro. I lati umani che preferisco di meno sono le mie ansie nel portare a casa il girato, probabilmente senza di esse sarebbe più facile avere a che fare con me.

Clelia Cicero: Clima ottimo e rilassato. È stato un dettaglio non trascurabile. In progetti come questo bisogna essere un gruppo ed essere molto generosi. Sono rimasta piacevolmente colpita dalla disponibilità e gentilezza di tutti. 

Nel lavoro sul set, ma anche sul palco le caratteristiche che preferisco sono: ognuno deve avere il proprio ruolo e mantenerlo con professionalità in un clima sereno e rispettoso. 

-  JF: L'idea di portare sullo schermo un film d'atmosfere come questo localizzandolo in setting molto "solari" è senza dubbio coraggiosa: a cosa si deve la scelta di non aver optato per una più confortevole cornice notturna e simile all'horror classico?

E, allo stesso modo, cosa si prova a lavorare in una doppia parte, a prescindere dalle questioni temporali?

Gian Guido Zurli: La ragione principale è che non sopporto il freddo, non credo che scriverei mai una storia ambientata in pieno inverno sotto la neve. Inoltre amo molto quei film horror o mystery ambientati in piena estate o primavera, come Non Aprite Quella Porta e La Casa Dalle Finestre Che Ridono. In DOPPELGÄNGER ci sono comunque alcuni interni notte e naturalmente sono molto funzionali alla storia. Nel sequel invece ci saranno sicuramente degli esterni notte. La sceneggiatura è già pronta.

Clelia Cicero: È sicuramente una fortuna per un attore poter avere a disposizione una varia gamma di sfumature da dare al personaggio. Si dimostra duttilità. Io amo molto "trasformarmi" e interpreto sul palco spesso figure anche molto lontane da me.

In questo caso mi sono confrontata con un'altra me che veniva dal passato! Sicuramente affascinante poter indossare i panni di un fantasma  oscuro dal passato...

-  JF:   Chiudiamo in bellezza con la domanda di commiato da sempre sfruttata in queste occasioni dal sottoscritto: pensate a due film italiani e due horror da portarsi con una robusta cassa di rum su un'isola deserta. Quali sono?

Gian Guido Zurli: Questa è una domanda difficile. Un film italiano sarebbe certamente uno di Pupi Avati, ma non saprei quale scegliere tra i tanti. Inoltre, anche se non è un film, ma uno sceneggiato RAI degli anni settanta, porterei i DVD de Il Segno Del Comando. Due horror stranieri sarebbero Mulholland Drive di David Lynch e Shining di Stanley Kubrick.

Clelia Cicero: Non posso scegliere: sarebbero troppi. Scelgo due registi italiani: Federico Fellini e Luchino Visconti. Due horror che amo: La casa dalle finestre che ridono di Pupi Avati e Profondo Rosso di Dario Argento.

 

www.doppelganger-movie.com